SPIDO NOUS LIVRE SON NOUVEAU SINGLE « MONGO FAYA »

Le kwata boy Spido est revenu après une longue absence avec son nouveau single « Mongo Faya ». Après « Hustler », « Makala party », « Don True Legend » ou encore  « On est dedans », il a trouvé une astuce pour marquer son come-back et il sera question pour nous d’analyser cette performance et dernière sortie musicale de Spido.

Mongo Faya : réalité et source d’inspiration de Spido

Mongo Faya est une réalité et non un mythe dans cette vie. C’était un chef traditionnel, un polygame et un artiste-musicien camerounais. Lorsque le commun du mortel entend MONGO FAYA, la première pensée de l’esprit est celle d’un polygame (conjoint ayant plusieurs femmes). Il est une source d’inspiration pour le rappeur Spido qui part de cette idée de polygame pour faire ce son. Nous allons analyser davantage cette perfomance de Spido.

Le titre « Mongo Faya » : analyse de cette performance de Spido

Spido ne raconte pas les exploits ou la vie de Mongo Faya car il se met dans la peau de ce dernier en gardant bien-sûr son attitude de kwata boy. Il prône aussi à travers sa chanson la polygamie, le fait qu’un jeune puisse avoir plusieurs copines. Il révèle le désir d’un jeune garçon de courtiser plusieurs femmes à la fois et il va jusqu’à citer les prénoms des filles.

Spido prône l’amour et est contre l’avortement. Pour lui, nul ne doit avorter et ôter la vie. A travers cette chanson, il exprime le désir d’avoir plusieurs enfants d’origines diverses un peu comme la Chine populaire. C’est à travers ses raisons qu’il dit haut et fort que « appelle moi Mongo Faya ».

La particularité de ce son

Il est le seul rappeur camerounais  à faire une chanson sur Mongo Faya et ses lyriques viennent de l’ordinaire avec une valeur très significative. Il utilise le pidjin et le français habituellement dans ses chansons afin de permettre aux jeunes du 237 de s’y identifier. Le beat a des cadences et des percussions Reggae avec une fusion du Rap au niveau des « pieds » (les temps).

 

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OBSCÉNITÉ : SONIA VERSE DANS UNE CACOPHONIE IMMONDE

La musique est souvent malade et les répercussions de sa maladie ont un effet inévitable. Sonia fait partie des victimes des conséquences d’une musique malade. Le titre « Haricot sauvage » si on peut appeler cela ainsi, est une preuve de cette cacophonie, de cette obscénité et de ce verbiage musicale. Elle est passé du dérangement au dérapage et nous verrons les raisons de cette cacophonie immonde.

« Haricot sauvage »: cacophonie immonde et propos obscènes

Sonia a livré une merde qui ne dit pas son nom et ce son est vraiment discordant. Elle ne sait pas chanter et elle n’est pas dans les temps. Ses lyriques n’entrent pas dans les unités du temps musical et cela s’en va dans tous les sens.

Elle n’a pas de style et le manque d’originalité se fait ressentir puisqu’elle a copié Z-Tra par rapport à la technique de chant. Il y a une inadéquation entre le titre et un refrain pourvu d’incohérence.  Ses lyriques sont provocateurs, obscènes et répugnants. Il s’agit de « Coups de reins bb, position écartée, j’attrape le micro, je chante la magie, ton mougou est porteur, j’appelle mes copines, on tchoumba son cerveau, direction Safari ». Cela veut dire qu’elle passe à l’acte avec un mec et ces moments sont torrides. Elle invite ses copines à cette partie d’extase, à la fin de l’acte, elles reçoivent une rémunération et s’en vont s’amuser dans un club de la place.

L’autre lyrique est encore plus choquant et s’illustre de la manière suivante  » On ne perds pas le temps, argent à main et le b…a est dedans ». Tout est dit, c’est le langage des filles de joie, le temps c’est de l’argent et c’est la thune qui donne droit à l’acte sexuel en question. C’est bel et bien une obscénité aggravée et une pornographie dite verbale.

Propos incohérents et contenu pornographique

Lorsque le son débute, le commencement est terrible car les propos incohérents de Sonia se suivent de cette façon « Allô, que quoi? Je suis sur le poteau, je suis dans mon moto, sur les embouteillages […] chéri ne te fâche pas, j’en viens ». Ces propos n’ont pas de sens et contiennent autant de fautes.

Cette chanson est à la fois immorale et vulgaire puisque le contenu du clip est sale avec des filles à moitié nues qui secouent dans tous les sens leur postérieure. Elles montrent leurs fesses à moitié nues à la camera et les positions qu’elles adoptent, témoignent leur grossièreté et leur bouffonnerie. Elles exposent leurs poitrines presque nues et n’expriment aucune honte par rapport à leur posture et leurs tenues.

 

 

 

 

 

NOUVEAU CLIP : ASKIA SIGNE SON COME-BACK AVEC « MA VALEUR »

Il a fallu du temps mais elle a pris son temps pour revenir en force et pour frapper fortement. La rappeuse Askia a fait son come-back avec le clip « Ma valeur » qui est à la fois sa signature et son estampille. Quelles sont les raisons et les enjeux de ce retour d’Askia sur la scène musicale? Quelle est la portée de ce clip et titre audio?

Le commencement

Elle avait quitté le label Mutumbu Records suite à des différends et des incompris. C’est le label Alpha Better Records qui lui ouvre ses portes et son plan d’attaque « Ma valeur » est déjà pensé et mis sur la table d’exécution.

Les raisons et les enjeux de ce retour d’Askia

C’est une nouvelle artiste du label Alpha Better Records qui a une politique musicale assez différente des autres labels. Les chansons et les titres portant les histoires de love sont prisés et appréciés par ce label. Askia est donc revenue avec une nouvelle approche et « Ma valeur » est une autre histoire d’amour. Il était question pour elle de revenir avec un nouveau style et non comme une gangsta rap. Les visées sont aussi commerciales et ce titre s’inscrit dans une logique du profit et du cash money.

Analyse et portée du titre « Ma valeur »

Askia valorise à travers cette chanson la femme qui a aussi de la valeur. Sa valeur ne doit être piétinée et bafouée et elle mérite également le respect de la part de son époux. Le clip montre bel et bien une femme de ménage dont le mari n’a aucun respect à son gars et l’affiche avec le mépris. Deux ans plus tard, elle n’est plus avec lui et s’épanouit en faisant table rase du passé.

 

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ANALYSE ET DÉCRYPTAGE DU TITRE « POTELÉE » D’ELJE CONTADOR

Le label Sonolive présente le nouvel artiste Elje Contador et son titre « Potelée ». Ce son est disponible sur YouTube et d’autre plateformes de téléchargement depuis une semaine et attire déjà l’attention. C’est une nouvelle approche qui est mise en exergue et il est question d’analyser cette performance d’Elje Contador.

Analyse et décryptage de cette perfomance d’Elje Contador

Elje Contador est un artiste-rappeur du label Sonolive et il est l’auteur du titre « Potelée ». C’est une chanson Hip Hop et le genre musical relève du Rap. Il utilise un langage familier pour véhiculer le message de la chanson et il ajoute aussi une touche humoristique à son Rap. Dans ce son, il valorise la femme dite ronde et potelée; il exprime sa pensée et son humour prend parfois des formes de moquerie. Les lyriques qui illustrent ces traits de railleries sont  » prends le poids jusqu’à ce que ton string se déchire «  ou encore  » si tu veux perdre le poinds, arrange toi à ce que les seins et les fesses là restent comme ça « . Il valorise la femme potelée et dit  » Allez dire à Zakougla qu’elle est mon goût, allez dire à Solange Beyala qu’elle est mon goût «  ou encore « j’aime tout type de filles mais je préfère la femme potelée ».

Le titre « Potelée » : un style orignal 

Elje Contador vient avec un style nouveau, original et qui se fonde sur lui-même. La façon dont il rappe sur ce titre illustre que ce texte émane de lui. Il a donné son avis et justifie sa pensée avec ses lyriques. Son concept est original puisqu’il apporte une touche particulière dont il connait les rouages. Son message porte sur la valorisation de la personne humaine et ses qualités.

 

LE CLIP « C’EST MON COM ÇA » : PERLE ET JOYAU MUSICAL DE TATY EYONG

Taty Eyong est une artiste camerounaise fière de sa culture bantoue et de ses origines qu’elle représente à travers le clip « C’est mon com ça ». Elle chante sur ce titre en Yembamè qui est une langue de la région du centre Cameroun. Elle sait qui elle est et s’accepte ainsi et son alter ego doit en faire de même.

« C’est mon com ça » : véritable perle et joyau musical

Le son audio et le clip « C’est mon com ça » sont bel et bien des véritables perles et joyaux à la fois culturels et identitaires. La chanson audio permet à un camerounais quelconque de s’identifier car il se reconnait dans sa culture. En plus, Taty Eyong est vêtue dans le clip avec des tenues propre à l’Afrique et sa coiffure est aussi africaine. Elle s’exprime et chante en langue maternelle à savoir le Yembamè (langue du centre Cameroun). Elle véhicule la joie à travers sa chanson puisque cette bonne humeur se lit sur son visage et elle sourit toujours dans son clip. Le son et le clip traduisent sa personnalité puisqu’ils sont comme un joyau accroché autour de son cou et une perle qui incarne la beauté physique et morale de Taty Eyong. Le beat est une fusion entre les rythmes Bikutsi et les percussions d’Hip Hop.

Taty Eyong : une artiste qui s’affirme avec un style remarquable

Taty Eyong est une artiste qui s’affirme musicalement et elle est unique. Son style n’est pas du « copier-coller » et ce titre illustre qu’elle fait preuve d’inspiration et de créativité. Sa personnalité se reflète sur sa chanson et son message est utile car personne ne doit juger les uns et les autres et les uns doivent accepter les autres comme ça. Elle frappe fort pour un commencent et la suite réserve encore des surprises.

MAAHLOX DÉRAPE COMPLÈTEMENT AVEC SON TITRE « UN BON PLANTAIN »

Le rappeur Maahlox le vibeur a encore suscité la polémique avec son nouveau titre « Un bon plantain ». Il a attiré l’attention une fois de plus avec les lyriques du « dessous de la ceinture » et ce n’est pas une surprise pour l’auteur de « Tu montes, tu descends » ou encore « Tu es dedans ». Ce dérapage musical est visible et il se bute lui-même aux règles de son propre jeu. Je me pose les question de savoir est-ce qu’il est en panne d’inspiration? Pourquoi il a autant dérapé musicalement?

« Un bon plantain »: une expression ayant une autre signification

Nous savons tous que le plantain est une tubercule qui s’accompagne généralement d’une sauce pour sa consommation. Cependant, le plantain employé dans cette chanson n’a pas une signification identique que la première puisqu’il veut dire clairement et de façon limpide l’appareil génital ou le sexe de l’homme. Maahlox évoque bel et bien le « troisième pied » de l’homme et cela n’a rien à voir avec le plantain en tant qu’aliment.

« Un bon plantain »: dérapage, polémique et lyriques

Il a dérapé musicalement avec son niveau single parce qu’il a certainement compris que les adeptes de l’ambiance aiment les chansons qui parlent du « dessous de la ceinture ». Une catégorie de mélomanes qui expriment une attirance pour des titres à connotation sensuelle et sexuelle. L’obscénité de certains titres de Maahlox prennent de l’ampleur et le vibeur se prête toujours à ce jeu à l’intérieur du quel il sera inévitablement un perdant décisif. Il crée la polémique autour de lui et apprécie que les uns et les autres aborde son cas dan n’importe quelle circonstance.

Certains lyriques du titre « Un bon plantain » sont captés au passage et il est très évident de comprendre son sens dans ce contexte. Tout est dit clairement sans difficulté et sans ambigüité et tout s’énonce de manière limpide. Ces lyriques sont vifs et s’énumèrent de la manière suivante: « Mais pourquoi la fille là s’agite comme ça, elle veut quoi (2 fois), elle veut un bon plantain (2 fois) ». Le « bon plantain » traduit réellement le sexe de l’homme que cette fille là désire autant c’est la raison pour laquelle elle s’agite. Les lyriques reviennent tels que « Frottement du wey sur le wey »; « Tremblement des reins » ou encore « On dit que quand une fille bouge comme ça, elle veut quoi (2 fois), elle veut un bon plantain ». Voilà tout ce qu’il dit de cette chanson, il n’ y a rien d’éducatif, rien de constructif et je remarque plusieurs traits qui renvoient à la grossièreté.

 

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L’IMPORTANCE DU NUMÉRIQUE DANS LA CONSERVATION DES INSTRUMENTS DE MUSIQUE TRADITIONNELS

Le monde actuel est en perpétuelle évolution et l’explosion technologique s’accentue davantage au point de rendre effectif l’individualisme et le « sans tabou ». Il y a certes le déterminisme technologique et l’omniprésence des réseaux mais ce moment est propice pour la préservation et la conservation des instruments de musique traditionnels. Le numérique joue un rôle primordial dans la sauvegarde du patrimoine musical camerounais et de ses chansons (musiques) légendaires. C’est aussi le cas identique pour ces instruments traditionnels. La garaya (guitare traditionnelle à 2 cordes), le mvet oyen (harpe), le tedingding (harpe africaine), le hilum hiboka (ancêtre de la guitare moderne), le kakaki (flûte), le menazan (balafon), le tambour Mbè, le tambour Ngom, le nkul (tam-tam d’appel), le kalangou (talking drum), le n’deum (tambour biface), la sanza timbili (languettes de bambou) et autres instruments traditionnels sont éternels et font partie du patrimoine des peuples bantous du Cameroun et de l’Afrique.

 L’utilité et la portée du numérique dans la conservation des instruments de musique traditionnels

Le numérique joue un rôle de relais et de médiateur (entre les instruments de musique et le reste du monde) par rapport à l’utilité et l’omniprésence de ces instruments musicaux traditionnels lors des événements culturels au village ou lors des foires. Les cordes (les guitares traditionnelles), les instruments du vent (les harpes bantous) et les instruments de percussion (tam-tams, tambours et balafons) remplissent en effet des fonctions d’information (la fonction du tam-tam d’appel) ; d’animation (funérailles, deuil, mariage traditionnel, installation du chef de village, fête culturelle) et d’apprentissage. Le numérique via les émissions web, illustre la façon dont cet apprentissage s’effectue. Le fait de mémoriser les mélodies et l’appréciation à l’oreille des niveaux sonores par des initiés sont une preuve de cet apprentissage.

Le boom technologique est énorme et les outils informatiques tels que les logiciels de musique jouent un rôle primordial de nos jours. Les beat-makers conçoivent des instrumentaux grâce à ces logiciels qui empruntent les rythmes et les cadences de ces instruments de musique traditionnels de percussion, de cordes et de vent. Les disc-jockeys animent au night-club et lors des concerts à l’aide des platines en faisant usage des percussions et des harpes sur logiciel qui sont mixées et retouchées par le mastering. Ces percussions et les vents travaillés des harpes tirent bel et bien leurs racines de ces instruments de musique traditionnels. Le numérique contribue d’une certaine manière à la présence effective de ces instruments et des valeurs des peuples bantous.

Le numérique tire son origine des outils traditionnels

L’expérience du vécu quotidien illustre réellement que les nouveautés d’aujourd’hui tirent leurs racines au sein des chefs d’œuvre d’hier et du passé. Les chansons et les titres des temps actuels puisent en effet leurs sources dans les sons et les titres d’antan. Il en est de même pour les instruments de musique traditionnels qui sont les ancêtres des instruments musicaux modernes. Le hilum hiboka est effectivement l’aïeul de la guitare moderne à la fois basse et acoustique. Dans cette même famille, nous pouvons aussi citer la garaya  une guitare traditionnelle à 2 ou 3 cordes. Le numérique est la forme la plus avancée et la plus développée de tous les outils traditionnels et historiques. C’est la raison pour laquelle le numérique garde une place prépondérante dans la préservation et la conservation des instruments traditionnels de musique.

 

 

 

 

LE CLIP « MOLAH NE ME TESTE PAS » : BANDE ORIGINALE DU FILM ZOO LA MARCHE VERS LE REVE

Zoo est le tout premier film camerounais de Rap et d’Hip Hop de son histoire et la chanson « Molah ne me teste pas » en est la bande originale. Les paroles et les lyriques retracent ces jeunes camerounais passionnés de Rap et des rimes. Certains travaillent leurs techniques afin d’être le meilleur et de se faire respecter. Plusieurs rappeurs présents dans le film, se sont illustrés sur cette bande originale et c’est leur talent qui parle.

« Molah ne me teste » : le clash à la puissance exponentielle

Le titre de cette bande originale est bel et bien en rapport avec le film et des artistes expriment de la plus belle des manières leur talent. Il s’agit de Senzu, Chercheur d’or, Scandy, Djinn Bryann, Skill Papy et Max Hilton. Ils n’ont pas froid aux yeux, ne ressentent aucune crainte et ils sont prêts à monter sur la scène pour prendre part à la bataille du clash. Le défi et le challenge se lisent dans leurs yeux et se situent au bout de leurs lèvres. Les uns se prennent pour des rappeurs confirmés et certifiés et les autres font leur chemin en travaillant la technique secrète propice pour l’aubaine qui va se présenter. Si le rival teste un seul ici bas, c’est les rimes et le flow qui vont couler sur le beat pour le plus grand bonheur des spectateurs. Le clash est ouvert mais ce n’est pas qui veut mais c’est qui peut puisque l’arme recommandé est l’artillerie des « punchlines ».

Le beat de la bande originale      

L’instrumental du son témoigne de la puissance du titre et des différents protagonistes. Ce beat est lourd, percutant et retentit agréablement. Il s’agit bel et bien d’un instrumental propre au clash et au rap pur. Les connaisseurs et les mélomanes ont leur place dans cette sphère « rapologique » qui unie et réunit tout le monde. Un beat purement Hip Hop qui s’applique avec brio et qui n’hésite à inviter les uns et les autres à déguster son contenu.

 

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ANALYSE DU CLIP « LOVE SONG » DE STANLEY ENOW FEAT CLAUDE NDAM

Le clip du titre « Love Song » est déjà en ligne depuis deux jours et il s’agit d’un message à caractère social prônant la paix, l’amour et l’harmonie. Les principaux protagonistes sont  présents et c’est la musique qui les réunit. Il sera question d’analyser cette performance et de ressortir ses particularités.

Analyse du contenu du clip : les lieux, les scènes et les couleurs

Ce clip débute comme un film où un héros raconte ses exploits et ses aventures. Dans ce contexte, le héros n’est autre que Stanley Enow et il narre (à travers le Rap) ses débuts et son vécu à différents endroits. Il est d’abord sur le toit d’un immeuble quelque part à Yaoundé et une vue aérienne de la cité politique est faite et nous voyons les deux artistes du haut d’un toit. Un grand plan est effectué sur cette vue aérienne de la ville tant le jour comme la nuit.

Ensuite, nous voyons Stanley Enow dans une pièce sombre  assis sur un trône comme un roi en train d’évoquer son parcours. Des images de ses concerts font leur passage et celles d’un jeune garçon l’incarnant à son enfance défile aussi. Des scènes de violence où deux jeunes hommes s’en prennent à un enfant, le dépouillent et prennent la fuite. Une jeune dame vient vers lui et constate qu’il a été agressé, puis le réconforte.

Analyse du style vestimentaire de Stanley et Claude Ndam 

Il est vêtu d’un tee-shirt rouge foncé avec des traits traditionnels représentant les régions de l’Ouest et du Nord-ouest Cameroun. Dans l’autre pièce, il est assis sur un trône avec un boubou blanc, une chaine autour du cou et des tennis de couleur rouge à ses pieds. Quant à Claude Ndam, il est vêtu en gandoura bleu foncé comme au village avec un gros bonnet rouge sur la tête. Il est assis sur un tabouret et accompagné de sa guitare avec laquelle il exécute en maestro le refrain de cette chanson.

« Love Song » : un message à caractère social

Stanley Enow et Claude Ndam véhiculent des émotions fortes et saines à travers un message social de paix, d’harmonie, d’amour et de métissage. Ces valeurs contribuent au bien-être et le recours à la violence n’est pas une nécessité. Il est important de savoir que rien ne se construit dans la ruine et la haine voire la mauvaise et c’est l’amour qui prend le dessus.

 

 

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